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viernes, 17 de enero de 2014

I MANIACI


Dirigida por Lucio Fulci 
Reparto:  Enrico Maria Salerno, Barbara Steele, Franco Fabrizi, Franco y Ciccio 

Italia - 1964 - 92 Minutos 

Reunión de cuentos comicos cortos. Flojo aporte de Fulci a la, a veces burda, comedia sexual italiana de los 60s. Unos son aburridos, pocos son interesantes y Franco y Ciccio son muy molestos. Lindas chicas, eso sí. Con un cameo especial del musico Nico Fidenco y la aparición de Raimondo Vianello. Música de Ennio Morricone.

THE HUMAN CENTIPEDE


Dirigida por Tom Six 
Reparto: Dieter Laser, Ashley C. Williams, Ashlynn Yennie, Akihiro Kitamura 

Holanda - 2009 - 92 Minutos 

Un cientifico loco Aleman secuestra tres extranjeros para realizar un "cienpies humano". Como no he de cometer el mismo error de su publicidad, decido dejar a la imaginación lo que eso significa, y aunque fanaticos del horror grotesco hablen en cocteles sobre la "creatividad" obscena de su premisa, el escatologico acto performativo acomodado en una serie de clichés intensos con pocos momentos de valido suspenso, no permiten que vaya más allá de ser una simple curiosidad contemporanea para asquear al publico. A pesar de todo, no puedo negar que el señor Dieter Laser es la mayor perra insensible desde Dyanne Thorne. Y eso, aunque no es suficiente, es un cumplido. Su parodia porno, The Human Sexipide tal vez sea mucho más divertida que nihilista. Color.

jueves, 16 de enero de 2014

LÉS MISERABLES


Dirigida por Tom Hooper 
Reparto: Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried

USA - 2012 - 158 Minutos  

El musical de Claude - Michel Schönberg, Alain Boublil, Jean-Marc Natekl y Herbert Kretzmer (En su versión en inglés, la más conocida) fue un éxito transformado en culto en los años ochentas; los escenarios más importantes de la escena musical adquirió esta versión trágico - musical de la novela de Victor Hugo. Broadway integro a la obra a su propia iconografía. También integro a ese bello y pequeño símbolo que se convirtió la Cossete pintada por Gustave Brion - de símbolo a icono y de icono a marca registrada. ¿Por qué no decirlo? Cossete es tan importante como el Ché: como símbolo y como marca... la "o" entre las dos variantes también es admitida, cada uno sabrá el valor que le da a las mismas. 

Los amantes del musical sabían que la adaptación del musical en el cine era un acto inevitable, el cual solo es permitido como un experimento arriesgado - un experimento de un artesano con mucho dinero. La música no está intacta - la adaptación musical no es tan buena como podría haberlo sido. Jackman, que no está mal como Jean Valjean, hace lo que hace alguien que no está mal como Jean Valjean y con él eso es todo. Anne Hathaway es espectacular como Fantine; la cámara de Hooper deja de moverse y deja respirar a su actriz, a la música y a la película aunque sea solo un momento: el número I Dreamed a dream es el mejor momento de la película por eso. Inmediatamente esto acaba y se desconecta y conecta y desconecta con una fluidez que agoniza - y ahí es cuando el experimento falla. Solo queda, entre toda este maraña incuajable un Russel Crowe implacable, caballeroso, maduro - casi (si) sensual - como Javert: después de que Fantine muere es el único que logra demostrar alguna sensación humana que no esté limitada por esa sensación encasillada del mismo arquetipo del género. ¿Pero queda la emotividad de la música y su sentimiento de libertad? ¿Se siente vivo Victor Hugo en el cine como en la música? ¿El cine norteamericano sabe a dónde esta redirigiendo el género más autóctono que tienen después del Western? ¿Entienden porque y para qué hacen cine musical? 

Estrenada en Colombia como LOS MISERABLES, el 15 de Febrero del 2013.

EL PRISIONERO 13


Dirigida por  Fernando De Fuentes 
Reparto: Alfredo del Diestro, Luis G. Barreiro, Adela Sequeyro, Arturo Campoamor

México - 1933 - 76 Minutos 

ESENCIAL 

Aquí esta el gran dilema de la percepción de una gran película cuya grandeza es repelida por ser tan anticuada. El cuento moral de Fernando de Fuentes empieza como un melodrama típico, esa en donde el charro le pega a la mujer que escapa con su hijo para protegerlo. Pero luego vemos al mismo charro adquiriendo un poder político que De Fuentes (En conjunto al escritor Miguel Ruiz) dejan en jaque con su conciencia al aprovecharse de una situación el que, sin saber, se está contradiciendo asi mismo con terribles consecuencias. El terreno que toca De Fuentes sería palpado muchas veces: los personajes siempre se atienen a una situación melodramática que los hace reflexionar así mismos. El Coronel Julián Carrasco incluso logra casí ser mucho más interesante que el personaje de Antonio Frausto en el futuro con Vámonos con Pancho Villa tres años después: aquí él esta sujeto a la crueldad de las casualidades como en la tragedia griega. Y el clímax final es puro cine - quizás una de las mejores cosas que hizo De Fuentes en su carrera. Pero el final - muy similar a lo que le paso a Murnau con La Última Risa - es intercedido a una necesidad explicita del cuento moral que daña en parte toda la maestría desarrollada antes en la película (No sé si por la censura o por unanimidad creativa del director - aunque es difícil de creer teniendo en cuenta su genialidad). Blanco y Negro.

GRAVITY


Dirigida por Alfonso Cuaron 
Reparto: Sandra Bullock, George Clooney, Ed Harris 

USA, Reino Unido – 2013 – 91 Minutos 

El vicio experimental de Cuaron como fotógrafo y narrador de aventuras cinematográficas, teniendo el mejor aprovechamiento de su carrera en Hollywood con todas las herramientas posibles a la mano, crea una de esas experiencias únicas que solo el espectáculo con intenciones de grandeza se atreve a recrear con ese hibrido del gimmick y el fondo poético de su tema. Una película de un solo personaje: Una astronauta perdida en el espacio, con poco tiempo y poco oxigeno y su desesperado intento por volver a casa. La pequeña aventura entonces posiciona al espectador a una crónica contada en primera persona con todos los recursos de la industria. Y aunque el resultado no se deshace de su naturaleza geográfica y económica como producto audiovisual industrializado, el mensaje es claro, sincero, efectivo y nunca cae en los excesos de la virtualidad contemporanea. El artificio no es explicito. Hollywood, junto a películas enteramente efectistas y de otra rama de intenciones como El Conjuro, esta encontrando el cauce perfecto de la ejecución del espectáculo de la que ya había estado perdiendo dominio hace algún tiempo: los primeros quince minutos de esta película son inolvidables y revitalizan la idea e importancia del cine como evento concertado y teatral. Música por Steven Prince. Fotografía por Emmanuel Lubezki.

Estrenada en Colombia como GRAVEDAD, el 11 de Octubre del 2013 en teatros IMAX y Mega Sala de Cine Colombia.

CANNIBAL HOLOCAUST


Dirigida por Ruggero Deodato 
Reparto: Robert Kerman, Francesca Ciardi, Perry Pirkanen, Luca Barbareschi 

Italia, Colombia – 1980 – 95 Minutos 

El cinéfilo tiene que aprender a convivir, a enfrentar y aprender de las películas que detesta. Eso es inevitable. Y es importante, que aún así dando una perspectiva objetiva del tema, nunca se desprenda de su propio punto de vista. El épico gore-verita de Ruggero Deodato fue el responsable de proponer de manera directa la experiencia subjetiva del video casero dándole a la cámara el valor de personaje principal de la narración terrorífica, inspirándose en el variadísimo y algo desagradable subgénero comercial italiano de los mondos. Fue inspirado para realizar una parodia trágica del subgénero y de la misma explotación en la que la película se reproduce. Quizás por eso sea la película de explotación perfecta: enmarañada de un doble sentido utilizando eficazmente con el mayor de los excesos los elementos que supuestamente la película esta criticando. La película tiene una propuesta de lenguaje innovador ejecutado por una intrépida narrativa cinematográfica dividida en dos partes, la ficción consciente en el espectador y la subjetiva como medio realista en su segunda parte, en donde a través de la manipulación, se desarrolla una serie de espectáculo grand-guiñolesco del peor de los burdeles. Sí la película solo viviera del efectismo, la película sería exitosa en su entero. Sin embargo, la película utiliza su misma herramienta original para desarrollar su idea explotativa (Alimentada por el subgénero del mondo y las características básicas del subgénero de caníbales y aventuras) de manera deprimente, dolorosa e inhumana. Es una película hecha con maldad; cualquier experiencia cinematográfica que se jacte de tanta misantropía, aunque valida, la hace inexplorable, inconsumible e inhumana. Y el guionista Gianfranco Clerici desea convencernos tantas veces de la “villanía” de los documentalistas occidentales creados, gritando a los cuatro vientos que quieren ser famosos y de que hacen cualquier cosa para conseguirlo, que su propia vileza es caricaturesca y, dentro del contexto de la película, se reproduce de manera ingenua, como lo hace la obra en su totalidad con todos sus artefactos. 

Llena de seguidores, automáticamente se convirtió en uno de los mitos urbanos más populares del cine de culto y en una de las experiencias más nihilistas de los teatros de explotación y, finalmente, de la videocasetera de barrio. Censurada en muchos países, la película, co-producida y rodada en el Amazonas Colombiano, fue estrenada sin ningún tipo de censura en Bogotá, en 1981. El bellísimo Robert Kerman, quien aparecería en otras dos exitosas películas de caníbales después que intentaran explotar el éxito de este titulo, pasando del bigote a la afeitada y luego a la barba deshilachada es el único personaje atractivo de la película. Debido a la controversia, Kerman decidió convertirse en uno de los mas entrañables actores porno de los 80s. Con las actuaciones de Salvo Vasile, Ricardo Fuentes, Carl Gabriel York y Paolo Paolini. Música de Riz Ortolani, influenciado un poco por tonadas similares ya compuestas para la película de Lucio Fulci, La Angustia del Silencio en 1972. El actor italo-colombiano Salvo Vasile y Lamberto Bava fueron asistentes de dirección. Véase una referencia más temprana a su forma narrativa en el éxito de auto-cine, La Leyenda de Boggy Creek, estrenada en 1972. Eastmancolor. 

Estrenada en Colombia como HOLOCAUSTO CANÍBAL el 12 de Octubre de 1981.
Distribuida en Video en Colombia por Video Presidente, 1988. VHS, BETA.

domingo, 12 de enero de 2014

DJANGO UNCHAINED


Dirigida por Quentin Tarantino 
Reparto: Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Kerry Washington, Samuel L. Jackson 

USA - 2012 - 165 Minutos 

1858, Estados Unidos. Un esclavo y un dentista Alemán van al rescate de una princesa en la mansión del malvado dueño de una plantación de algodón. La primera mitad, Tarantino recurre inútilmente a diez mil y un momentos innecesarios, solo con ganas de explorar una y mil ideas redundantes planteadas sin espíritu. La segunda mitad, es un melodrama Americano con sensaciones de grandeza desarrolladas mediocremente - Son uno o dos momentos increíbles perdidos en una película insoportable. Jamie Foxx es uno de los peores Django(s) de la historia del cine: ni siquiera es un estereotipo disfrutable (O una figura anti-colonialista, para aquellos que intenten ingenuamente verlo de esa manera): Es una marca registrada, una figura con algunos estilos retro y algunas actitudes de linaje cinéfilo, re interpretados en un vaquero tan conservador y Americano como John Wayne, pero al mejor estilo del optimismo Hollywoodense del siglo XXI: es uno de los vaqueros más desagradables de los últimos tiempos y al mismo tiempo el ideal Hipsterial del western americano. La película intenta parodiar al KKK (Y a Griffith) en una de las escenas más ridículas del año, cosa que Jacopetti hizo de forma más efectiva, grotesca e inteligente años atrás en Goodbye, Uncle Tom. Christoph Waltz es un gran actor con un gran personaje en donde ambos merecen una mejor película, mientras que Franco Nero - el Django único y original - aparece en una sola escena, aún con los ojos azules más bellos del planeta, esperando quizás alguna propuesta más interesante como se le debe hacer a una leyenda. Samuel L. Jackson, sin embargo, deslumbra. Con las actuaciones especiales de Bruce Dern, Zoe Bell, Tom Savini, James Russo, Russ Tamblyn, Amber Tamblyn y Quentin Tarantino. Bellisima fotografía de Robert Richardson. Digital, Panavision.

PUEBLERINA


Dirigida por Emilio "El Indio" Fernandez 
Reparto: Roberto Cañedo, Columba Domínguez, Manuel Dondé, Arturo Soto Rangel 

ESENCIAL

México - 1948 - 106 Minutos  

Después de un malentendido de armas, Aurelio (Roberto Cañedo) sale de la cárcel para volver a su pueblo, pero todo lo ha encontrado destruido: su madre ha muerto, su tierra seca y su novia (Columba) violentada, alejada de la sociedad, con un hijo bastardo y sobre todo invadida por la culpa. Aurelio sin embargo y a pesar de los ojos amenazantes del pueblo, decide volver a enamorar a su mujer, adoptar a su hijo, formar a su familia y labrar su tierra. Mientras que el Indio implanto poéticamente la figura de la india en María Candelaria y su orgullo y humildad derrotados, aquí el Indio construye ante nuestros ojos al campesino del cine latinoamericano - y lo más importante, acoge su figura desde adentro y lo forma con la tierra. No son solo, entonces, figuras que forman iconos. Iconos no forman: Cañedo y Domínguez (A partir del autor) forman la figura del campesino libre de ataduras y como no llegan a concederse como un modelo sino como individuales, los clichés (En este caso y afortunadamente) no existen. Si alguien se pregunta porque el Indio Fernández es importante, a pesar de su innegable machismo y todos los elementos conservadores que esto contuviera, la respuesta es indudable esta película, que es sin lugar a dudas uno de los eslabones del cine latinoamericano. No como industria sino como identidad. La escena del "palomo y la paloma" es uno de los momentos más importantes sino del cine latinoamericano si del cine mexicano: la emotividad de los enamorados que han sido desaprobados por una sociedad que juzga se ha vuelto lema y - ahora si - insignia de nuestro popolo (Y uno de los mejores logros de la música folclórica en nuestro cine). Aún es inevitable - e importante y hasta necesario - sentirnos identificados con la pareja maldita. Eso da al cine del Indio como indispensable visión, riqueza y futuro de los espectadores y de nosotros los cineastas de Latinoamérica. Fotografía por Gabriel Figueroa. Blanco y Negro.

ANOTHER GAY MOVIE


Dirigida por Todd Stephens 
Reparto: Michel Carbonaro, Jonah Blechman, Jonathan Case, Mitch Morris 

USA - 2006 - 92 Minutos 

Es mejor ver una porno gay de verdad: buena, barata y sin rodeos. Que te haga eyacular hasta el cansancio para olvidar la horrible experiencia. ¡Puag! Con cameos de Graham Norton, el horrible Mattew Rush, la maravillosa Lypsinca y la voz de Nancy Sinatra - todos desperdiciados pedantemente. Seguida por una secuela. Digital, a color. No estrenada comercialmente en Colombia.

EVIL COME, EVIL GO


Dirigida por Walt Davis 
Reparto: Cleo O´Hara, Sandra Henderson, Jane Louise, John Holmes 

USA - 1972 - 73 Minutos

La hermana Sarah es una adicta a la palabra del señor - pero también le encanta robar dinero - y ha decidido matar a todos los hombres adictos al sexo. Ella se encuentra a una lesbiana que tambien detesta a los hombres, se unen en casa y deciden salir con panderetas a la callé para salvar las almas de esas pobres mujeres que se sublevan a los decadentes deseos pecaminosos del macho cabrio. La película no es la gran cosa, pero cuando los actores creen verdaderamente en sus personajes, no traicionan su naturaleza y hacen todas estas estupideces tan tipicas de los fanaticos religiosos - desde robar hasta asesinar - sin parpadear ni exagerar fisicamente cuando se encuentran en situaciones tan exageradas nosotros nos divertimos sin ninguna explicación (Y las protagonistas se divierten con nosotros). La película es una buena sintesis imaginaria de la palabra "camp" - las escenas de sexo contiene inevitables acercamientos clinicos a las vaginas de las actrices de una forma tan gratuita que es hilarante. John Holmes fue asistente de dirección y es aquel chico de la piscina que juega, sin vergüenza, juegos genitales con su novia mientras que las cristianas maldicen su mal comportamiento. ¡Divertidisima! En Technicolor.

BUGAMBILIA


Dirigida por Emilio "El Indio" Fernandez 
Reparto: Dolores del Rio, Pedro Armendrariz, Julio Villareal, Alberto Galán

México - 1944 - 100 Minutos

Dolores del Rio aquí es, en su hedonismo, tan codiciosa como Scarlett O´ Hara y ese, el castigo que tiene el Indio para ella: su belleza como su mayor pecado o como su mayor maldición, así como lo hizo con más éxito en María Candelaria, en seguida con Maclovia y en seguida con Pueblerina. Con esto Fernandez reincide en su liricismo y nunca traiciona su naturaleza melodramatica: solo que los ricos también lloran y Maclovia sufre ya ni siquiera por fetichismo sino, en este caso, por un simple cumplimiento a la regla del género. Hay una especie de sentimentalismo europeo que aún respira en los cachumbos de Bugambilia cuando esta llora por amor - quizás algo impropio, sino de más interesante, en la misma poesia del Indio como cineasta. Roberto Cañedo hace una breve aparición leyendo el poema con el que bautiza a Bugambilia como Bugambilia. Fotografía por Gabriel Figueroa. Vestuario por Royer. Bugambilia toca temas de Schubert, Chopin y Lizst. Ambientada en la hermosa Guanajuato, quizás no mejor explorada con la misma profundidad melodramática hasta 1991 con el melodrama televisivo Cadenas de Amargura. Blanco y Negro.

MACLOVIA


Dirigida por Emilio "El Indio" Fernandez 
Reparto: Pedro Armendáriz, María Felix, Carlos López Moctezuma, Columba Domínguez

México - 1948 - 100 Minutos 

El Indio retoma el tema del indígena corrompido y violentado por el mundo occidental que ya había trabajado en María Candelaria (Dicen que este es un remake inconfeso), pero le da una vuelta de tuerca al argumento y se aprovecha de esto para explorar otros temas aún no visitados en su anterior película: el ardor venenoso de una sangre que traiciona a su propia patria, encarnada por el malvado general que quiere violar a Maclovia a como de lugar y por otro lado, en explorar los dinamismos de la propia cultura y sus rituales. Y en algún momento perdido en este bellísimo cuento trágico, esta última se vuelve mucho más importante que el primer interés. La película se convierte en un testimonio, algunas veces sentimentalista y muchas veces poético, de los rituales de un pueblo. Y en este caso Figueroa se adentra al ritual: la fotografía no muestra el día de los muertos en solo un pedante acto demostrativo, pues la cámara experimenta, la luz compone y el espíritu de toda la película - y de las ambiciones insaciables del Indio - se compenetran no solo en un único estilo sino también en una exploración y una experiencia. Pedro Armendáriz como el indio José María comprende a la humildad del campesino de una forma particular: cuando sus ojos brillan al escuchar al maestro (Arturo Soto Rangel) hablando del campesino como héroe nacional, efectivamente, el Indio esta imponiendo un sustantivo que no necesita predicado. Como su Lorenzo Rafael en María Candelaria, Armendáriz compone a la humildad del indio mexicano en un solo suspiro, no como el final que es totalmente mecanizado y poco inspirado. Con una breve aparición de Roberto Cañedo. Fotografía por Gabriel Figueroa. Blanco y Negro.

GRAN CASINO: TAMPICO



Dirigida por Luis Buñuel 
Reparto: Jorge Negrete, Libertad Lamarque, Meche Barba, Agustín Isunza 

México - 1947 - 92 Minutos

La comedia musical de Luis Buñuel con enredos en buena forma, ritmo y perspicacia por Mauricio Magdaleno funciona en unos niveles tal vez inconcebibles para el apetito Buñueliano. Y sin embargo esta película existe y, lo más importante, es un excelente musical. Jorge Negrete, increíblemente apuesto, canta La Dueña de mi Amor para escapar de la cárcel mientras que hace un homenaje a tierras Argentinas con Adios, Pampa Mia - uno de los momentos más bellos de la película. Ver a Libertad Lamarque es un placer en cualquier cosa que ella este, así los cachumbos de su pelo no cacen con su bello rostro. Las preocupaciones políticas del director van a verse mejor servidas en otras películas. Primera película de Buñuel en México, seguida por El Gran Calavera. Fotografía por Jack Draper. Blanco y Negro.

TOPS DE EL TARRO NÚMERO UNO: LAS 25 BANDAS SONORAS MÁS INOLVIDABLES DE LOS 80s

Para empezar con esta sección de los TOPS de EL TARRO, empezamos con un especial musical. Los 80s fueron importantes en cambios estéticos y temáticos en el arte musical y en el cine, la música incidentalmente represento altamente este cambio como compañera de la imagen. Hé aquí la que consideramos las 25 mejores bandas sonoras de la decada, sin orden especifico.


1. INFERNO (Dario Argento, Mario Bava, 1980) – Música incidental original compuesta por Keith Emerson


Ademas de ser una de las películas de terror más hermosas de los 80s, la música de Keith Emerson llena de sintetizadores y coros de influencia operística, basado enormemente en Verdi (Un compositor vital para Dario Argento a quien homenajearía a su manera en Terror en la Opera) y con muchos guiños musicales a la música de terror de años mejores.

El track: Taxi Ride - Demencial, lo escuchamos en la escena en la que Sarah se dirige a la biblioteca en taxi.

¿Editado? : SI, por Cinebox (Italia) en Vinilo y Discos Compactos.




2. ORDINARY PEOPLE (Robert Redford, 1980) – Música incidental compuesta por Marvin Hamlisch


La angustiante, fascinante película de Redford esta narrada la mayoría por largos silencios. Solo una melodía, el Canon D Mayor de Johann Pachelbel adaptada por Marvin Hamlisch, suena en la cabeza de  la familia disfuncional más memorable del cine Norteamericano de los 80s.

El Track: Canon D Mayor - Desgarrador tema. Hamlisch lo adapta con guitarras eléctricas y lo repasa. En los créditos finales, los espectadores quedan sin aliento.

¿Editado? - SI, por Planet Records en sencillo.



3. PINK FLOYD: LA PARED (Alan Parker, Gerlad Scarfe, 1981) – Música y letras compuestas por Pink Floyd


La adaptación fílmica del grande álbum conceptual de Pink Floyd auguro cambios drásticos en ciertos temas, la eliminación de unos y los arreglos y alargamiento de otros. El poderoso y perturbador filme, uno de los mejores musicales del cine, es adictivo hasta su última medula de creación audiovisual. Muchos fanáticos prefieren incluso la readaptación musical de la película que la del álbum original.

El Track: The Trial  - El track climático de la película. Penetrante, traumatico, bizarro, deprimente y pesadillezco. También es la canción más dramática e importante de toda la película.

¿Editado? - NO. Existen múltiples copias piratas que extraen las canciones de la película, pero nunca se ha comercializado la readaptación con las canciones nuevas.



4. E.T EL EXTRATERRESTRE (Steven Spielberg, 1982) – Música incidental original compuesta por John Williams


Todo niño recuerda la pieza mítica escrita para la película de Steven Spielberg. Todo adulto que sigue siendo la sigue recordando. Como a la luna y el teléfono.

El track: Saying Goodbye - El track final, en ronde E.T vuelve a casa en su nave espacial junto a sus padres.

¿Editado? - SI, en vinilo y Discos Compactos por MCA.



5. PHENOMENA (Dario Argento, 1985) – Música incidental original compuesta por Claudio Simonetti


La última fantasía de Argento hasta ahora, tiene una excesiva  responsabilidad por la carga musical gracias a Claudio Simonetti y su enigmática música. Ademas, contiene canciones de Iron Maiden (Flash of the Blade) y Motörhead (Locomotive) en la extraña moda de las películas italianas de terror producidas y dirigidas por Argento de la época en poner temas populares de grupos de metal.

El track: Phenomena - Clásico, energía pura. Lo mejor.

¿Editado? - SI, por Cinebox en vinilos y Discos Compactos.

6. CRISTINA F. (Ulrich Edel, 1981) – Música incidental y canciones compuestas por David Bowie


La deprimente historia de la adolescente más famosa de Berlin.La música de Bowie no es originalmente compuesta para la película pero muchos de los tracks escogidos para acompañar el cruel ambiente de la película funcionan como anillo al dedo ya que muchas de estas canciones, incluyendo la famosa HEROES, fueron compuestas por Bowie precisamente en el contexto en que se desarrolla la película. V-2 SCHNEIDER, SENSE OF DOUBT (Tema central y deprimente de la película que se vuelve insignia del personaje caminando por las frías calles de Berlin) y LOOK BACK IN ANGER son los que más resplandecen en soundtrack. La mejor canción de Bowie - ya por gusto personal, obvio - STATION TO STATION es cantada en vivo por el mismo Bowie en la película.

El track: V- 2 SCHNEIDER - Excelente introducción musical al frío mundo de las drogas por las que muere Cristina.

¿Editado? - SI, por RCA en Vinilos y Discos Compactos.



7. LA HISTORIA SIN FIN (Wolfgang Petersen, 1984) – Música incidental compuesta por Klaus Doldinger y Giorgio Moroder.


Además de la iconica canción de Limahl, muchos niños se dejaron asombrar por el espectacular sintetizador de Moroder en esta ya clásica película de aventuras.

El track: Ivory Tower - Debo hacer una confesión personal. Esos sintetizadores sonando en la ejecución magnética del Betamax de la casa marcaron mi infancia por siempre. Brutal.



8. XANADU (Robert Greenwald, 1980) – Música incidental y canciones por John Farrar y ELO.


Aunque muchos críticos la debatan como uno de los peores musicales de los 80s, la película tiene uno de los mejores momentos musicales del cine musical de su generación. Y aún alabada por su excesivo "camp" y sus luces de neón, nunca esta mal ver a Gene Kelly bailando música disco en patines. Electric Light Orchestra resplandece.

El track: Magic - Romántica inspiración, hito declarado para derretir corazones interpretada por Olivia Newton John.

¿Editado? - SI, en Vinilos y Discos Compactos por Epic Records.



9. THE BEYOND (Lucio Fulci, 1981) – Música incidental original compuesta por Fabio Frizzi


La "película absoluta" de Lucio Fulci tiene el gran atributo de tener la mejor composición de Fabio Frizzi para una película, así incluso le duela algunos puristas amantes del épico gore de Fulci Zombie.

El track: Voci Dal Nulla - ¡Y te metera escalofrios en ese delirante final!

¿Editado? - SI, por bEAT Records



  10. VIVAMENTE EL DOMINGO (Francois Truffaut, 1983) – Música incidental original compuesta por Goerges Deleure


La dulce canción de cisne de Francois Truffaut, un homenaje puro y directo a Hitchcock, tiene una juguetona música de Deleure, como sus dos protagonistas.

El track: Vivement Dimanche - Fanny Ardant y su perrito nunca tuvieron mejor paseo.

¿Editado? - SI, en Vinilo por Milan.



11. ¿QUÉ HE HECHO YO PARA MERECER ESTO!!!! (Pedro Almodóvar, 1984) – Música incidental original compuesta por Bernardo Bonezzi


Bernardo Bonezzi, el compositor de no solo las primeras películas de Pedro sino de sus canciones más populares del grupo "Almodóvar y McNamara", tuvo un acierto cinematográfico puro con este filme. Al igual que con Mujeres al borde de una ataque de Nervios, Bonezzi emplea su repertorio pop y su sensibilidad cinematográfica para retratar a Gloria en toda su complejidad como viciosa ama de casa.

El track: Tema central - Inspirado e inolvidable. Nota final de una película perfecta.

¿Editado? - NO, hay reinterpretaciones luego editadas en CD en compilados, pero la música original de la película nunca ha sido editada oficialmente.



12. AMERICAN GIGOLO (Paul Schrader, 1980) – Música original incidental y canciones compuesta por Giorgio Moroder


Lujoso y asfixiante, la obra maestra de Schrader sobre la complicada y amarillista vida de un prostituto con corazón de oro tiene uno de los mejores trabajos de Moroder en los 80s. Y sí, el tema Call Me interpretado por Blondie fue un hit.

El track: Hello Mr. W.A.M - La M es por M de Mozart.

¿Editado? - SI, por Polydor en Vinilo.



13. AFTER HOURS (Martin Scorsese, 1985) - Música original incidental compuesta por Howard Shore 


La divertidisima comedia de obstaculos de Scorsese en donde un bellísimo Griffin Dunne tiene la noche más horrible de su vida en Nueva York, tiene una poquísima propuesta del popular Howard Shore. Toda la música, en principio, esta influenciada por el tic-tac de un reloj. Puro cine.

El track: La persecución - Cuando todos deciden perseguir como barrio al pobre héroe caído, el tica tac se enloquece de una manera deliciosa.

¿Editado? - NO. Solo se encuentran cuatro tracks re-editados en un compilado en CD del compositor.



14. GREMLINS (Joe Dante, 1984) – Música incidental original compuesta por Jerry Goldsmith


La clásica obra maestra de Joe Dante tiene un juguetón tema del indispensable Jerry Goldsmith.

El track: Tema Central - Al final, algunos Gremlins ríen descaradamente.

¿Editado? - SI. En Discos Compactos por Moghwai Records.



15. VESTIDA PARA MATAR (Brian De Palma, 1980) – Música incidental original compuesta por Pino Donaggio


Pino Donaggio re-utiliza mucha de su maestría ya utilizada en Carrie, pero lo hace maravillosamente.

El track: The Forgotten Ring/The murder -  Impactante. Puro cine. La influencia del giallo se presenta por ahí.

¿Editado? - SI, por Varese Sarabande en vinilo.



16. FAST TIMES AT RIDGEMONT HIGH (Amy Heckerling, 1982) – Varios Artistas


Muchas películas de adolescentes tenían un compilado de temas pop generativos como banda sonora. Esta es sin duda la mejor y más divertida de todo ese subgénero juvenil. The Cars, Donna Summer, las go-go. En fin. Pura vitalidad.

El track: Goodbye, Goodbye de los Oingo Bongo - Fiestera, alcoholica. Sabrosa.

¿Editado? - SI, en vinilo por Asylum Records



17. LA SIRENITA (Ron Clements y John Musker, 1989) Música incidental original y canciones compuestas por Alan Menken y Howard Ashman


La mejor película de Disney de los 80s se convirtió en un clásico moderno.

El track: Pobres Almas en Desgracia - Esta canción comprueba que las canciones de los villanos son las mejores.

¿Editado? - SI, en Walt Disney Records en Disco Compacto.



18. EL BAILE (Ettore Scola, 1983) Música incidental original compuesta por Vladimir Cosma


Como las películas de Ginger Rogers y Fred Astaire, una película contada solo por el baile y la música. ¡Y que música! ¡Y que baile! ¡Y que película! Perfecta e inolvidable.

El track: J Attendrais - Tema vital. Delirante.

¿Editado? - SI, en vinilo por Carrere.



19. DISCO DANCER (Babbar Subhash, 1982) – Música incidental original y canciones compuestas por Bappi Lahiri


Una sensación al otro lado del planeta, quizás el musical más popular de Bollywood de los años 80s ha pasado de ser solo camp a ser camp pero inmortal. Melodramática, excesiva. Música disco para los más exigentes y aventureros.

El track: Jimmy Jimmy Adja Adja - El hit de hits.

¿Editado? - SI, en vinilo por EMI



20. EL CHANFLE II (Roberto Gómez Bolaños, 1982) Música incidental original compuesta por Leonardo Velázquez


En esta excelente comedia de errores, con uno de los mejores clímax de slapstick de la historia de la comedia, tiene el sentimiento cinefilo gracias a la maestra y lastimosamente olvidada música de Vélazques.

El track: Canción de créditos - ¡Eso es música de cine!

¿Editado? - NO.



21. LA NOCHE DE LOS LÁPICES (Hector Olivera, 1986) Música incidental compuesta por José Luís Castiñeira de Dios. Canciones por Sui Generis.


La importante película de culto Argentina, que recuenta los angustiantes días de la dictadura Argentina en los 70s tiene una memorable y tensionante música de Castineira. La película fue marcada por dos canciones de Sui Generis, "Canción para mi Muerte" y "Rasguña las Piedras".



22. VENENO PARA LAS HADAS (Carlos Enrique Taboada, 1984) Música incidental original compuesta por Carlos Jiménez Mabarak


La obra maestra de Taboada contiene un ambiente precisamente de hadas gracias a su maravillosa composición incidental. Urgente a rescatar y re-descubrir.

El track - Tema final (Venganza) - Asfixiante tema, sobre todo para Ana Patricia Rojo. Guiño, guiño.

¿Editado? - NO.



23. CONTACTO SANGRIENTO (Newt Arnold, 1988) Música incidental original compuesta por Paul Hertzog


LA película de Van Damme, la que lo lanzo como una estrella del cine de artes marciales y la que, incluso, lo desnudo de todas las maneras posibles (Lo cual agradecemos bastante) tiene un energético sintetizador de fondo, acumulando, asumo, testosterona de la manera más espectacular posible.

El track: Figth to Survive - Kumite! Kumite!

¿Editado?: SI - En un CD bastante dificil de conseguir, aunque ya esta re-editado.



24. SANTA SANGRE (Alejandro Jodorowsky, 1989) Música incidental original compuesta por Simon Boswell


La penetrante película de Jodorowsky tiene a Simon Boswell, compositor clave del euro-horror de los 80s, pasmado del Mambo a la melancolía mexicana. Esencial.

El track: Triste - Triste.

¿Editado? - SI, en vinilo por Cinevox.



25. FAME (Alan Parker, 1980) Música incidental y canciones compuestas por Michael Gore


La película sobre artistas con número musicales exhaustivos. Una Irene Cara irremplazable y muchos chicos parando la ciudad de Nueva York. Se sienten los 80s en cada poro.

El track: I Sing the Body Electric - Pura energía.

¿Editado? - SI, en vinilo por RSO.
 

lunes, 6 de enero de 2014

NO SE ACEPTAN DEVOLUCIONES


Dirigida por Eugenio Derbez 
Reparto: Eugenio Derbez, Loreto Peralta, Jessica Lindsey 

México, USA – 2013 – 115 Minutos 

Eugenio Derbez, una de las figuras más representativas de la televisión mexicana en los últimos años, incursiona como director, escritor y actor principal en su primer largometraje: un hombre mujeriego e irresponsable en Acapulco termina cuidando a su hija, quien fue abandonada por su madre en el momento en que nace. Ella crece bajo el amor de su padre, quien guarda un secreto que marcara sus vidas para siempre. Es imposible no sonar arquetípico y sentimentalista bajo un argumento bastante conocido por la formula melo-familiar expedida por Hollywood en los últimos 30 años. De esa manera, Derbez se atiene a ejecutarla bajo su propio territorio, porque sin duda él conoce a su publico. No es una mala película; al final logra llevar directamente una reflexión sobre la(s) formación(es) familiar(es) en clave de sol incluso de una manera mucho más sincera que algunas producciones americanas, pero es una película descaradamente manipulativa y en algunos momentos, a pesar de su éxito, resulta ser una película demasiado simple en varios niveles y uno no sabe en que momento una película que claramente se forma en principio como una obra personal de su propio autor se puede transformar de manera tan ligera y predecible por la propia formula comercial. Sin embargo, Derbez y Peralta como la chiquilla, tienen una incontenible química que resultaría erróneo desprestigiar. La película latinoamericana más taquillera en Estados Unidos de la historia, la cual la ha podido desplazar a otros escenarios internacionales. Música incidental compuesta por Carlo Siliotto. ¡Con un sorprendente cameo del actor de culto Hugo Stiglitz! 

 Estrenada en Colombia el 1 de Enero del 2014.
Titulos Alternativos: Instructions Not Included (USA)

sábado, 4 de enero de 2014

EN MEMORIA: Mike Vraney (1957 - 2014)


El fundador de una de la distribuidoras y descubridoras del cine más raro de Estados Unidos, Mike Vraney acaba de fallecer este 3 de enero contra una grande lucha contra el cáncer. Quizás su nombre no sea reconocido ni siquiera por la mayoría de espectadores de esta nueva generación que han podido jactarse de su trabajo como coleccionista, restaurador y distribuidor de las películas más raras del mundo. Something Weird Video, que inicio su labor en los años 90s y cuyo trabajo encontró interminables latas llenas de sucio porno, espectáculos de burlesque, película grotescas, serie B de muy bajo perfil de todos los géneros, películas caseras sin nombre. Grandes nombres del cine de culto Norteamericano son ahora mucho más accesibles gracias a su trabajo: Herschell Gordon Lewis, Andy Milligan, David F. Friedman, Doris Wishman, Chesty Morgan y su mismo discípulo y colaborador, Frank Henenlotter entre muchísimos otros más. 

 Como un adolescente con sed de películas raras, de películas realmente raras que no encontrara en el mercado de pulgas local, ni en San Andresito o en las paginas de internet de películas de culto que siempre repetían los mismos títulos, el catalogo de Something Weird Video era un paraíso que contenía un deleite total, una aventura nueva en cada película rasguñada. Historias fuera de serie, personajes inexplicables, momentos de locura cinematográfica. El cine maldito cobraba vida y yo, personalmente, debo hacer un reconocimiento, dar una gran abrazo a la familia de Vraney y reafirmar su importancia para generaciones de cinéfilos y cineastas que siempre estamos en búsqueda del cine más raro del mundo. David F. Friedman lo nombro como el “Ladrón número 41” y podemos decir complacidos de que reamente, exactamente como los 40 ladrones, Vraney se convirtió en uno de los feriantes y distribuidores de películas más extraordinario de los últimos años que, insisto, nuevas generaciones deben aprovechar y aprender de su interminable trabajo de amor de ese cine que no existe ante los ojos de los miserables.


Fernando Chaves
El Tarro

Pueden ver el obituario en la página oficial de la compañía aquí.

SHOCK-STOCK


viernes, 3 de enero de 2014

WHAT HAPPENED TO ROSA

Dirigida por Victor Schertzinger 
Reparto: Mabel Normand, Hugh Thompson, Doris Pawn, Tully Marshall 

 USA – 1920 – 54 Minutos 

Mabel Normand tiene una doble personalidad al creerse el cuento de una espiritista que ella es la reencarnación de una española llamada Rosa Alvaro; llega a su casa, encuentra unas ropas y de repente aparece Rosa Alvaro, una personificación total de un travestido elocuentemente encarnizado por el mismo género femenino. Rosa Alvaro es el espíritu secreto de un homosexual en-closetado: Sale de noche a pasear a conquistar al hombre de su vida (High Thompson) pero, retomando los caminos de la farsa, pasa a ser la aburrida vendedora de siempre a un pequeño vagabundo que intenta lastimarse de mil maneras para poder ser atendida por su “amor secreto”, quién no la querría por su propia apariencia. Esta pequeña película tiene carisma y varios momentos deslumbrantes de la hermosa fémina cómica como al mismo tiempo es simplona, ligera y banal. Su reflexión de la lengua española se ejecuta través de unos de los intertitulos más racistas e incomparablemente camp de la historia de las películas mudas de Hollywood.
M-G-M.

SERIAL MOM



Dirigida por John Waters 
Reparto: Kathleen Turner, Sam Waterston, Ricki Lake, Matthew Lillard 

USA – 1994 – 95 Minutos 

ESENCIAL 

 La película comercial de John Waters más John Wateriana desde Female Trouble y así mismo una de sus sátiras sociales más efectivas e interesantes sobre su incisivo tema favorito: Estados Unidos. Kathleen Turner (En un maravilloso personaje que se nota que disfruto como nadie) se transforma en la inolvidable mamá serial, una asesina de un barrio delicado de Baltimore en donde ajusticia de manera inmediata aquellos que no sigan al orden establecido de una vida perfectamente americana. Aunque este territorio se volvería aprovechado de maneras infinitas por sátiras televisivas como Desperate Housewives y Suburgatory, explotando tanto estética como temáticamente la propuesta John Wateriana, hay una consciencia subrayada de la estética como el territorio perfecto del género cómico-critico: una reproducción mofada y caricaturesca que al mismo tiempo se reproduce dramáticamente con un camp emitido de manera directa, pura. Líneas John Waterianas en el acento clásico que se sujetan a la realidad de los espectadores sin perder su malicia de origen. Es una de las mejores películas de John Waters y la más exitosa dentro de sus más deliciosas pretensiones. Un ejemplo perfecto de sátira americana moderna e inteligente, que queriendo o sin querer, señala de manera directa los peores defectos de una sociedad mediatizada. Incluye hermosos guiños a las video tiendas de antaño, al VHS, a Herschell Gordon Lewis y a William Castle. El reparto de victimas de mamá serial incluye a Suzanne Sommers, Patricia Hearst y Mink Stole. Technicolor.